Chi non ha mai sentito, almeno una volta nella vita, anche solo un estratto dalle Stagioni di Vivaldi? Eppure, quest’opera così famosa, racchiude al suo interno una serie di particolari che colgono di sorpresa l’ascoltatore. In questo articolo vi faremo scoprire il meraviglioso paesaggio sonoro che il compositore veneziano ha potuto creare grazie a geniali artifici musicali.

Il prete rosso e la Serenissima:

Violinista virtuoso e compositore brillante, Antonio Vivaldi (1678-1741) ben si presta a rappresentare la civiltà musicale veneziana della sua epoca. Nel 1703 infatti, anno in cui fu ordinato sacerdote, il musicista veneto divenne insegnante di violino presso l’Ospedale¹ della Pietà e successivamente ricoprì diversi altri incarichi musicali per la stessa istituzione. Oltre all’insegnamento, il suo contratto prevedeva anche la composizione di brani “per ogni genere di Istrumenti”. Vivaldi, inoltre, svolse un’intensa attività di impresario e operista, occupazione che lo portò fuori dai confini della Serenissima Repubblica di Venezia: oltre a città della penisola come Vicenza, Mantova, Firenze e Roma, soggiornò infatti anche in capitali europee come Praga, Amsterdam e Vienna, dove morì. La sua enorme produzione consta, tra le altre composizioni, di più di cinquecento concerti:² il contributo che il prete rosso (così chiamato per via del colore dei suoi capelli) diede a questo genere fu così pregnante che il modello da lui proposto rimase inalterato almeno fino alla fine del secolo.

Le Quattro Stagioni:

Le Stagioni sono i primi quattro concerti dell’op. VIII di Vivaldi: una raccolta di dodici concerti a quattro e a cinque,³ intitolata Il cimento dell’armonia e dell’inventione. Quest’opera, pubblicata ad Amsterdam nel 1725, si contraddistingue dalle precedenti per la sua natura descrittiva, narrativa e rappresentativa. Sette dei dodici concerti, infatti, recano un titolo extramusicale: oltre ai quattro concerti che compongono le Stagioni troviamo La tempesta di mare (n. 5), Il piacere (n. 6) e La caccia (n. 10). Le prime quattro composizioni della raccolta, tuttavia, rappresentano un unicum della produzione vivaldiana. Ogni stagione, infatti, viene evocata dal compositore non solo tramite effetti sonori e musicali appositi, ma anche da versi poetici che ne esplicitano gli eventi. In questo modo anche gli elementi di maggiore difficoltà imitativa come lo sciame di mosche e mosconi, l’abbaiare dei cani e i colpi di schioppo possono essere facilmente intesi da esecutori e uditori. È importante notare, però, come questi “sonetti dimostrativi” siano stati scritti, probabilmente dallo stesso Vivaldi, solo in un momento posteriore rispetto alla stesura dello spartito. Inoltre, in aggiunta ai versi poetici, sono presenti perfino delle didascalie associate anche a singole parti dell’organico, con lo scopo di specificare ulteriormente il richiamo extramusicale a cui la musica fa riferimento. I sonetti, infine, pongono un problema: se questi hanno una struttura bipartita (formata da due quartine e due terzine), i concerti, invece, constano ognuno di tre movimenti (il primo e il terzo veloci e quello centrale lento). Ciò comporta che la distribuzione dei versi all’interno delle singole composizioni non abbia sempre la medesima proporzione.

La Primavera è il concerto di apertura del ciclo e da un punto di vista formale si presenta come il più regolare di tutti e quattro. Il primo movimento, Allegro, viene commentato dalle prime due quartine del sonetto annesso: «Giunt’è la primavera, e festosetti la salutan gli Augei con lieto canto». Questi i primi due versi, che descrivono il risveglio della natura, in un generale clima di gioia. Orchestra e violino solo espongono il ritornello iniziale, che verrà riproposto più volte durante tutto il movimento e che raffigura la primavera stessa.

Successivamente, dialogando tra loro, gli strumenti raffigurano dapprima il cinguettio degli uccelli, tramite mordenti,⁴ trilli,⁵ rapide scale e volatine, e poi, con una figurazione sinuosa in quartine⁶ per terze parallele⁷ dei violini, lo scorrere delle fonti e lo «spirar de’ Zeffiretti».

Improvvisamente, però, il clima sereno si agita bruscamente: in una scrittura priva di armonia,⁸ con ribattuti⁹ frenetici all’unisono,¹⁰ l’orchestra dà vita ai tuoni, che annunciano l’imminente arrivo di un temporale. Il violino solo, intanto, tramite convulse terzine¹¹ e accordi spezzati¹² imita i lampi e raggiunge tonalità relativamente distanti da quella di partenza.¹³ Infine, segue nuovamente la quiete e ritorna il «canoro incanto» degli «augelletti».

Il secondo movimento, Largo, è accompagnato dalla prima terzina del sonetto. La narrazione si sposta «sul fiorito ameno prato», dove, «al caro mormorio di fronde e piante dorme ‘l caprar col fido can a lato». Il violino solo, infatti, intona una melodia cantabile e in pianissimo, che descrive il riposo di un contadino. Nel mentre, i violini tratteggiano il movimento delle foglie degli alberi al vento e la viola, che suona molto forte e strappato, rappresenta l’abbaiare del cane. 

Il terzo movimento, Danza pastorale – Allegro, è relazionato alla seconda e ultima terzina del sonetto. In una festa rurale, al suono di «pastoral zampogna», «danzan ninfe e pastor» in uno sfondo bucolico. Gli strumenti popolari, muniti di bordoni,¹⁴ vengono imitati tramite l’utilizzo di lunghi suoni o intervalli¹⁵ tenuti (la quinta o la quinta e l’ottava insieme) da parte di viola e bassi.

L’Estate, il secondo concerto del ciclo, si presenta all’ascoltatore nell’unica tonalità di sol minore. Questa, che si contrappone al precedente mi maggiore della Primavera, si dimostra appropriata alla narrazione di una natura opprimente e ostile. «Sotto dura stagion dal sole accesa langue l’uom, langue ‘l gregge ed arde il pino». La divisione dei versi del sonetto risulta essere la medesima del primo concerto: le prime due quartine corrispondono al primo movimento e le due terzine rispettivamente al secondo e al terzo. La “languidezza per il caldo” viene resa da una ricca introduzione orchestrale, con brevi motivi¹⁶ in pianissimo continuamente interrotti da pause e caratterizzati da trasposizioni di ottava¹⁷ e da seconde eccedenti.¹⁸ Il procedere stentato e frammentario del discorso musicale inscena quindi il senso di disagio e affaticamento dovuto al caldo.

Con un cambio metrico¹⁹ e agogico²⁰ il violino solo imita il cuculo tramite il caratteristico intervallo onomatopeico di terza discendente. Successivamente intervengono anche la tortora, con un canto lamentoso che combina il cromatismo²¹ discendente ad ampi salti anch’essi verso la zona grave, e il cardellino, con un intervento tratto dalla cadenza²² non accompagnata del concerto Il Gardellino sempre di Vivaldi.

Gli “Zeffiretti dolci” che seguono si tramutano presto in “venti diversi”. La contesa dei venti, che preannuncia l’imminente arrivo di un temporale estivo, viene resa tramite rapide scale e ribattuti di tutta l’orchestra.

È proprio per questa particolare condizione climatica che «piange il pastorel», temendo per il suo destino. Il “pianto del villanello” rappresenta un piccolo capolavoro compositivo. Si tratta di un gemito contraddistinto da un linguaggio armonico e melodico molto ardito. Mentre il basso disegna linee cromatiche discendenti, il violino principale costruisce a sua volta parabole discendenti con intervalli diminuiti ed eccedenti, che accentuano il carattere lamentoso dell’episodio. La tensione armonica, inoltre, viene mantenuta durante tutto il passaggio, grazie ad una serie di cadenze evitate²³ e di progressioni²⁴ cromatiche. Il movimento, infine, si chiude con la ricomparsa dei venti avversi.

Nel secondo tempo, Adagio, il violino principale descrive il riposo umano, che però viene disturbato prima da «mosche e mossoni» e poi dal «timore de’ lampi e tuoni fieri». Il ronzio degli insetti è reso tramite ritmi puntati²⁵ dei violini, mentre l’arrivo improvviso dei tuoni, con ribattuti all’unisono di tutta l’orchestra, spezza la continuità di agogica del movimento, con continui cambi tra Adagio e Presto. Il sonno, descritto da una linea ondeggiante, si fa via via meno inquieto e più profondo. La melodia del violino principale che lo descrive, infatti, si espande sempre più durante il movimento, simbolo di un sonno sempre più pesante, che alla fine neppure il fragore dei tuoni riesce ad interrompere.

È nel terzo movimento, Presto, che il “tempo impetuoso d’estate” arriva al suo culmine. Dopo i reiterati avvertimenti dei movimenti precedenti, però, lo scoppio della tempesta viene fatto ancora ritardare. La sezione di apertura, infatti, si interrompe dopo sole quattro battute,²⁶ con una cesura netta indicata da una pausa con corona.²⁷ Il tumulto degli elementi, poi, viene reso tramite un’elaborazione e combinazione delle figure e dei motivi proposti, tra cui un rigoroso contrappunto²⁸ con trattamento a canone,²⁹ che dà il via all’esplosione della tempesta.

Il terzo concerto, L’Autunno, descrive (come già aveva fatto la Primavera) un rapporto più mediato con la natura, rispetto ad Estate e Inverno. Le analogie con la Primavera, inoltre, sono anche tonali (entrambi hanno un impianto in tonalità maggiore con un tempo centrale alla relativa minore) e formali (anche questo concerto si attiene maggiormente agli schemi tipici del concerto solista). Il primo movimento viene commentato dalla sola prima quartina del sonetto ed ha inizio con l’esposizione del ritornello. Quest’ultimo, con una configurazione omoritmica,³⁰ indica il piacere del raccolto, che viene celebrato dai contadini con «balli e canti». I motivi sono costruiti su una struttura armonica rudimentale e ripetitiva (sul rapporto di tonica e dominante), che fa intendere la rusticità e semplicità della danza.

Le celebrazioni vengono accompagnate anche con «liquor di Bacco». La musica, infatti, rappresenta l’andamento barcollante degli ubriachi tramite figurazioni ascendenti e discendenti, dal profilo melodico ondeggiante, e con bruschi salti di registro. Gli arpeggi sinuosi rimandano ai movimenti a zigzag, le volatine discendenti alle cadute, mentre gli intervalli diminuiti alle loro espressioni di dolore dopo i capitomboli, cui seguono goffi tentativi di rialzarsi in piedi. Vivaldi descrive perfino il singhiozzo, reso tramite i contrattempi³¹ del solista con il basso.

Con un improvviso cambio di registro, in piano e larghetto, viene descritto ora “l’ubriaco che dorme”. Il violino principale intona salti di sesta e di settima quasi a voler imitare degli sbadigli e successivamente, tramite una linea cromatica discendente, viene simboleggiato il venir meno della coscienza. Le dinamiche,³² inoltre, richiedono agli esecutori un sempre maggiore diminuendo, da piano, a più piano e infine pianissimo: l’ubriaco si è finalmente addormentato.

Il secondo movimento, Adagio molto, descrive ancora una volta il «dolcissimo sonno». La musica, tuttavia, sembra quasi smentire il sonetto, evocando un dormire inquieto e pervaso di visioni. La condotta armonica, infatti, risulta essere tortuosa ed elusiva, intensificata da dissonanze e dall’imprevedibilità del disegno estemporaneo che è richiesto durante l’esecuzione al cembalista (“Il Cembalo arpeggia”).

Il terzo tempo, Allegro, mette in scena una battuta di caccia e le ultime due terzine del sonetto ne descrivono lo svolgimento. «I cacciator alla nov’alba a caccia con corni, schioppi e cani escono fuore». Il motivo iniziale è rappresentato da un segnale costruito su un salto di quinta. L’andamento dei cacciatori a cavallo, inoltre, viene reso tramite un ritmo puntato dell’orchestra. Seguono motivi di fanfara, che vengono poi elaborati dal violino principale con l’uso di corde doppie,³³ grazie al quale lo strumento imita una coppia di corni.

La caccia entra ora nel vivo: “la fiera che fugge” viene impersonata dal violino solo, con rapidi arpeggi e scale, mentre l’orchestra raffigura la compagine di cani e cacciatori che braccano l’animale. I colpi dei fucili vengono resi tramite note isolate, mentre lo slancio dei cani tramite quartine di trentaduesimi.³⁴

L’ultimo episodio inquadra il momento culmine di questo scorcio venatorio. La belva è stata colpita e ormai non riesce più a saltare. Cade ripetutamente a terra e cerca a fatica di rialzarsi: a descrivere il vano tentativo dell’animale troviamo una linea ascendente costruita su intervalli di seconde minori ed eccedenti, che ne simboleggiano il dolore. La preda, ormai raggiunta dalla muta dei cani, stramazza definitivamente al suolo: una cadenza²² del violino solo in arpeggi convulsi ne rappresenta il crollo.

L’Inverno, il quarto e ultimo concerto, è, dopo l‘Estate, la stagione in cui la natura viene mostrata come più cruda e ostile. Questa composizione è costruita sulla rara tonalità di fa minore, associata all’epoca ad affetti tragici ed estremi. Il ritornello iniziale, in un semplice e omoritmico ribattuto di ottavi,³⁵ rappresenta il gelo. I trilli, poi, imitano i tremori causati dal freddo. In una sostanziale assenza di melodia, gli strumenti dell’orchestra entrano uno alla volta dal grave verso l’acuto, formando un accordo dissonante.

Al freddo pungente si aggiunge, poi, anche lo «spirar d’orrido vento», rappresentato da un disegno in quartine di trentaduesimi del violino solo, cui segue il ribattuto dell’orchestra, ripreso dal ritornello iniziale e raffigurante il gelo.

Tra le reazioni umane al freddo pungente, Vivaldi descrive dapprima il “correre e battere li piedi per il freddo” e poi il «battere i denti» «pel soverchio gel». Un ribattuto dei violini descrive l’atto di correre, mentre la ripetizione di un intervallo di quarta o di sesta discendente da parte dell’orchestra mima quello di battere i piedi per terra. Il battere i denti, invece, viene reso tramite una modificazione per intensificazione ritmica del motivo iniziale del gelo. Il ribattuto nella sua scansione originale è affidato alla viola, mentre i violini di ripieno lo espongono al doppio della velocità e il violino solista, con bicordi,³³ al quadruplo.

Il secondo movimento, Largo, si distacca dagli altri due tempi dell‘Inverno. In esso, infatti, la durezza del freddo viene contrastata grazie al tepore del fuoco tra le mura domestiche. La linea del violino principale espone quindi una melodia cantabile che raffigura la serenità del riposo accanto al camino acceso. Gli arpeggi pizzicati³⁶ dei violini primo e secondo, invece, evocano il battere della pioggia all’esterno della casa.

Il terzo e ultimo tempo, Allegro, è il più caratterizzato e uno dei più particolari dell’intero ciclo. Per prima cosa bisogna dire che a questo movimento sono associati gli ultimi due versi della seconda quartina ed entrambe le terzine del sonetto: si tratta di uno dei tempi più ricchi di immagini extramusicali. La prima di queste è la corsa sul ghiaccio, che viene descritta con un preludio del violino solo. La statica e uniforme distesa di ghiaccio, nel mentre, è simboleggiata da lunghe note tenute: essa non permette a chi ci si trova sopra di potersi fermare e così anche la musica, sul piano armonico, sembra non riuscire ad avanzare.

L’incedere sul ghiaccio è incerto ed è necessario “camminar piano e con timore”. Una linea in ottavi, seguita da un andamento cromatico ascendente dei violini descrive il movimento cauto. Nonostante le precauzioni, però è inevitabile lo «sdrucciolar», rappresentato da brevi volatine discendenti, e il conseguente «cader a terra», descritto da una scala discendente all’unisono alle varie parti dell’orchestra.

A questo punto un nuovo tentativo di corsa viene portato avanti: il violino principale tratteggia il senso di sempre maggiore equilibrio precario, legato ad una crescente concitazione. Il ghiaccio, tuttavia, si rompe: la frattura è resa tramite figure veloci ascendenti e all’unisono dell’orchestra, poi riprese dal violino solo, ora discendenti.

A chiudere il concerto si trova una rappresentazione dei venti. Prima il soffio caldo dello scirocco, che viene rappresentato tramite una citazione variata dell’inizio dell‘Estate. Ciò che prima era una canicola insopportabile diventa ora un tepore ristoratore. Successivamente, però, la comparsa della bora e di “tutti li venti” rimanda ai precedenti motivi di tempesta. Seppur la musica non lasci spazio ad un rasserenamento finale, le ultime quattro battute sono legate all’ultimo verso del sonetto: «quest’è ‘l verno, ma tal che gioia apporte». Un monito che chiude l’intero ciclo e che lascia un insegnamento agli uomini: imparare ad accettare anche gli aspetti più negativi della natura, cercando di vivere in integrazione con essa.

Questi Concerti ebbero un’amplissima influenza sul panorama musicale del continente e la loro celebrità è ancora oggi indiscussa. Con questo articolo speriamo di aver reso omaggio al genio di Antonio Vivaldi e vi invitiamo a non trascurare, nei prossimi giorni, un attento ascolto delle Stagioni nella loro interezza.